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La música en las aulas:
¿Es posible un nuevo enfoque?
El curso "Un siglo de Jazz, la música folklórica americana" se llevó a cabo en Noviembre de 2003, como una actividad de formación para el profesorado de Música de Primaria, de Secundaria, del Conservatorio y de las Escuelas de Música y de Danza. Organizado por la Asesoría de Música del CAP de Pamplona, fue impartido por Andy Phillips, reconocido pianista, compositor y vocalista, pionero en la docencia musical en España, y autor de este artículo. Este curso respondía a la necesidad de un mayor conocimiento del mundo del Jazz, que tradicionalmente no ha tenido un tratamiento amplio en los planes de estudios oficiales, carencia paliada por El Conservatorio Pablo Sarasate, con la especialidad de Jazz en Grado Superior. Durante el desarrollo de la actividad se repasó la evolución del Jazz, sus estilos, autores, intérpretes, audiciones, y se analizó algunas obras.
DIARIO DE NOTICIAS PAMPLONA MARTES 18 de MAYO 2004
Siempre he oído decir que los ruidos de todos los días son como la banda sonora de nuestras vidas. Es un concepto bonito, en especial si se incluyen las grandes posibilidades que se presentan a diario de escuchar música, cualquier tipo de música. En las radios de los coches, en la televisión, en los anuncios, en los equipos de música de nuestros hijos, en los chiringuitos de la playa, las orquestas de baile, los conciertos al aire libre, en los restaurantes, supermercados y ascensores, la música en todas sus formas es una presencia constante en nuestras vidas, difícil de negar o silenciar. Y yo diría que gran parte de esta música tiene sus raíces en lo que podríamos denominar música “moderna” para diferenciarla de la música “clásica”. Su historia es larga e intrincada, y se remonta a principios del siglo XX, cuando surgieron el blues y el ragtime en el sur de los Estados Unidos. Durante los últimos cien años esta música moderna se ha transformado y evolucionado, recogiendo influencias de todos los países y culturas del mundo, y produciendo un interesantísimo arcoiris de posibilidades sonoras. Es la verdadera banda sonora de nuestras vidas, ocultando muchas veces, por desgracia, la otra vertiente de la música mucho más establecida desde hace siglos, la música clásica.
La música moderna, el rock, pop, blues, jazz, reggae, etcétera, son una parte vital de nuestra experiencia y para algunas personas jóvenes, una de las cosas más importantes a nivel creativo y social. No sólo satisface una necesidad de comunicación entre la población, especialmente los jóvenes, sino que también genera una cantidad importantísima de trabajo para los mismos músicos y en todos los sectores relacionados con el ocio y la cultura. ¿Por qué no tomarla en serio de una vez y comenzar a combinar el estudio de la música “moderna” con la “clásica”?
Desde que llegué a Barcelona en 1982 y hasta los ultimos anos, he visto un crecimiento del interés por la "música moderna" en las aulas, en las escuelas privadas y en los conservatorios oficiales. Una curiosidad por el blues, el rock y la música folclórica, pero sobre todo por el jazz en sus diferentes estilos, está levantando un interés especial, animando a la gente a mezclar estudios, a retomar clases o a comenzar desde cero. Todo esto se debe a muchos factores, algunos no tan obvios: los aficionados a la música buscan nuevas vías y nuevas formas de expresión artística; la juventud, muy influenciada por los medios de comunicación desde dentro y fuera del país es consciente de que además de su entorno habitual hay muchos mundos que explorar; el bombardeo al que estamos sometidos, con los mismos productos culturales de consumo de siempre, en la radio, en la televisión, en revistas culturales, etc. Por eso, cuando llegan a las ciudades y pueblos los festivales y giras de artistas de jazz, de blues y de nuevas músicas, son como una bocanada de aire fresco y la gente normalmente acude en masa.
En cuanto a la pregunta de qué es la música moderna, podriamos generalizar y definirla como cualquier música que tenga un lenguaje relacionado con la tradición del pop, rock, blues, jazz o incluso del folk desde aproximadamente 1900 hasta hoy en día. La cantidad de música que se puede definir así es realmente inmensa, las mezclas entre los distintos estilos es ilimitada y hay grupos e individuos con inquietudes vitales por encontrar su propia voz y su propia música entre este océano de posibilidades. La tradición nos enseña formas, melodías, armonía, ritmos, timbres, conceptos abstractos y si hablamos del jazz real, habría que incluir la improvisación como elemento imprescindible.
Lamentablemente, cuando uno dice "jazz" mucha gente tiende a pensar que es algo demasiado complejo, demasiado intelectual, demasiado simple o sencillamente demasiado. No tienen en cuenta las técnicas de enseñanza de grandes universidades como Berklee College of Music (donde se imparte música moderna y clásica) o New England Conservatory (donde se imparte las dos pero con las prioridades al revés) u otros centros, consagrados en España, como La Escuela de Música Creativa de Madrid o el Taller de Músicos de Barcelona, por nombrar sólo dos. En estos centros se intenta dar una visión general de la música, no sólo de jazz y del blues improvisado aunque estos estilos siempre ocupen un lugar prioritario. Actualmente hay un creciente interés en las escuelas, universidades y entidades culturales de las distintas comunidades autónomas por las nuevas vías de exploración que ofrece la música moderna. Cada día hay más conferencias, más clases magistrales, festivales, clubes, literatura y por supuesto CDs. En los últimos veinte años se ha multiplicado el número de estas escuelas privadas. Sin ninguna o con una mínima subvención estatal, las escuelas siguen funcionando año tras año y en ellas se puede encontrar todo tipo de personas: aficionados, semi-profesionales, profesionales, niños de corta edad, estudiantes venidos de conservatorios, otros que quieren complementar sus estudios en los conservatorios, gente con carreras universitarias, gente con mucho nivel, gente sin ninguno y gente de todos los ambientes de la vida cotidiana y laboral, desde banqueros hasta rocanroleros, profesores de primaria y secundaria, amas (y amos) de casa, jubilados, personas discapacitadas y todos aquellos que quieren recuperar su amor por la música.
Parece que todos quieren saber más de ésta música moderna tan importante hoy en día: sus orígenes, formas de crearla y lo más importante de todo, cómo pueden aprovecharse de ella para lograr sus propias metas musicales. Se están cansando de los programas de televisión y de radio, y en las tiendas las secciones de blues y jazz crecen (incluso a veces se encuentra en los "top manta"). El enorme interés que tiene la gente por las nuevas músicas es evidente. ¿Por qué no aprovechar esta tendencia (permanente desde hace un siglo) para ayudar a formar a nuestros futuros músicos? La música clásica y folclórica no debería sufrir necesariamente, pero sí que debería hacer un hueco a la música moderna e incluirla en el curriculum, sobre todo a nivel estatal y en los conservatorios. Estas músicas pueden convivir perfectamente y me atrevo hasta a afirmar la importancia del estudio de todos los campos de la música para realmente aprender a fondo cualquiera de ellos.
Como profesor de jazz, blues, rock y materias relacionadas (y repito, sin olvidar la música clásica) mi meta siempre ha sido llegar a cada persona de manera individual, partiendo de unas pautas de trabajo. Estas pautas incluyen un desarrollo de todos los sentidos: rítmico, melódico, armónico, técnico, teórico, expresivo, etc. El alumno tiene que darse cuenta que se trata de otro juego, que tiene que archivar temporalmente muchos conceptos y cosas ya aprendidas o por lo menos estar dispuesto a verlas con otros ojos. Tiene que estar dispuesto a dejar la partitura, a escuchar su voz interna, a desarrollar su oído interno, a cantar, jugar, a liberarse de perjuicios, tocar los tambores e incluso bailar. Sobre todo debe estar dispuesto a perder su inhibición para crear.
Pero esto de la música moderna, ¿qué es exactamente? ¿Su enseñanza es realmente tan diferente de la música tradicional? Sí y no. Yo diría que el objetivo prioritario de cualquier escuela, conservatorio o profesor es, o debe ser, inculcar el amor o pasión por la música en general, así como ayudar al alumno a conseguir una mayor habilidad expresiva a través del conocimiento teórico y técnico del instrumento. Creo que es algo en lo que todos los que nos dedicamos a la enseñanza estaríamos de acuerdo. Sin embargo, como se trata de música que a veces huye de la partitura, que se tiene que "generar" desde dentro, donde el músico tiene que descubrir sus propios gustos y habilidades pero a la vez conformarse a un lenguaje musical más o menos establecido a nivel mundial, las cosas cambian.
Por supuesto que interpretar música moderna no es una cuestión de coger el instru,mento y dejarse llevar; de decir que estamos tocando jazz, improvisando, sin reglas o pautas. Eso no es así. Aparte del valor que tiene la improvisación libre, hay que encauzar las cosas. Hay un camino que seguir, hay mucho trabajo que hacer en varios niveles; físico, mental, emocional, psicomotriz, etc. La improvisación es importante y se debe cultivar, y no solamente con la melodía porque sería un error pensar que se improvisa sólo la línea melódica (lo que realmente se aprecia más en el jazz, sobre todo si el oyente tiene poca experiencia), en realidad son las disposiciones de los acordes, la armonía, los ritmos, la expresión e incluso la forma en que pueden llegar a ser improvisados.
Sin embargo, no todo en la música moderna es jazz y valdría la pena explorar otros géneros relacionados con la historia del jazz para conocer mejor los distintos elementos musicales de que está formado. Por ejemplo, la música reggae ofrece ritmos muy claros y repetitivos para dictados rítmicos; el blues nos proporciona progresiones armónicas para explorar las relaciones de la tónica,
sub-dominante y dominante con una infinidad de variables, y el pop rock (si elegimos a los Beatles o a Sting, por ejemplo) nos muestra unas melodías que se repiten, que tienen "gancho" y que están sólidamente relacionadas con la armonía, con el ritmo y con la forma de la canción. Las posibilidades y el repertorio de un siglo son infinitos, sólo hace falta organizarse. Entre las canciones de los cuarenta principales (los éxitos de la Operación Triunfo, por ejemplo, y otros programas de consumo de masas) encontraremos música que los jóvenes ya tienen asimilada e interiorizada. Así podemos investigar sus elementos musicales y explicar a los alumnos que esta pasando musicalmente, y huir de las pesados imágenes repetitivas de los videos que inevitablemente vinculan a la música.
Opino que uno de los conceptos fundamentales en este tipo de enseñanzas es que el sentimiento debería preceder a la comprensión intelectual. Esto cobra mayor importancia sobre todo cuando se trata de los más jóvenes y los niños pequeños. Muchos de los conceptos que se emplean en la enseñanza del jazz etc. se entienden mejor cuando se ejecutan sin una partitura, incluso sin saber qué es lo que uno está haciendo; así pueden concentrar en sentir el ritmo, en afinar la voz o en hacer una buena entrada. Una vez que esté asimilada la música, la verán en la partitura. Este concepto procede de obras pedagógicas como la de la escuela de Orff, además de otras.
Partiendo del hecho de que a los niños (y los mayores a veces) no se les puede obligar, hay que buscar su complicidad a través del juego y esto no deja de ser un desafío interesante, especialmente cuando se trata de la creatividad. Sienten y pueden imitar para poder llegar a variar patrones rítmicos o melódicos después, y acompañarlos con pasos de baile y juegos. Estas cosas son el pan nuestro de cada día de cualquier profesor de música de primaria e infantil. Luego, a partir de una cierta edad, que varía mucho de unos niños a otros (de 8 a 14 años aproximadamente) las cosas se complican. Poco a poco se introducen los conceptos de ritmo, melodía, forma, etc., cuidando que se entienda a nivel visceral, que el alumno pueda interiorizar la música. Al alumno se le invita a hacer variaciones sobre el patrón aprendido, pensándolo un poco o de manera totalmente espontánea e improvisada. La gente que ya domina mínimamente su instrumento puede utilizar una partitura (con uno o dos pentagramas, o con melodía y cifrado) para fortalecer conceptos. No sólo van a tener que leer y entender las notas sobre el papel de forma más compleja, sino que tendrán que aplicar la teoría a su música, en resumen, los acordes y sus escalas. La forma de impartir estas enseñanzas debe partir de la misma infraestructura que ya se está utilizando en la escuela primaria, en el conservatorio o en el aula privada. Muchos pensarán que sólo se trata de implantar planes de estudios nuevos, de buscar un profesorado nuevo, de abrir una escuela nueva, pero no siempre debe ser así y es posible hacer un hueco al aprendizaje de la música moderna, de la improvisación y del jazz en las instituciones actuales. Sólo se requiere del apoyo de los directivos y del profesorado así como investigar lo suficiente a través de los cursos que se ofrecen, los libros, CDs e Internet. Poco a poco los estudios de música a todos los niveles se verán enriquecidos mutuamente.
Con el tiempo suficiente veríamos que esta línea de trabajo ayuda a cultivar la improvisación rítmica y la imaginación melódica, la habilidad de improvisar frases más largas o inventar melodías para una letra. Así, el guitarrista de rock, el banquero bluesero y el aficionado a las melodías de siempre podrán buscar en su interior y sacar una voz propia, estilísticamente "correcta", sin perder de vista cómo debe sonar esa (su) música. Y aquellos alumnos volcados en la música clásica, podrán entender de otra manera las obras, agilizarán su memoria; además, la armonía, las escalas, conceptos como tonos centrales y las modulaciones se entenderán mejor. Con una buena base de conocimientos, bien interiorizados, los jóvenes podrán enfrentarse a cualquier eventualidad musical, improvisada, reproducida, analítica o relativa a la composición.
El Sr. Doug Goodkin, conferenciante de jazz en las aulas así como profesor de niños en los EE.UU. lo dice así: "La forma y el proceso de enseñanza deben estar dentro de un marco estético que se parezca a lo que estamos enseñando. Necesitamos un sistema pedagógico y una metodología que se pueda aplicar desde la práctica, donde tengan cabida la creación y la improvisación junto a un desarrollo sistemático y progresivo de la teoría.....un proceso en el que la música entre en el cuerpo a la vez que es comprendida intelectualmente.....un trabajo que sea a la vez lúdico y serio." (Doce Notas).
En mis talleres me gusta partir de las raíces históricas del jazz y del blues. En los Estados Unidos aquellos años fueron muy intensos e interesantes, y musicalmente muy ricos. El blues, ragtime, la música country, la ópera ligera, el gospel, etc., todos aportaron algo al eventual y gradual nacimiento del jazz. Desde las primeras bandas ambulantes, a la música como improvisación colectiva, a los primeros solistas, a las épocas de la big band, del bebop, cool, etc., podemos apreciar como ésta música crecía y cambiaba, y utilizar los conceptos de cada época para reforzar conceptos musicales. Las posibilidades son numerosas y a continuación me gustaría mencionar algunas de ellas, muy generales:
- La creatividad individual como base para actividades en el ensamble.
- La dinámica y matices tímbricos.
- Mapa (disección del tema).
- Forma de las canciones.
RITMO
Elementos rítmicos africanos; juegos rítmicos corporales; improvisación de
acentos; ritmos de ragtime; tres pulsos sobre dos; el swing; conversación de ritmos improvisada en dúos; ritmos modernos (rock, funk, reggae, etc.).
Interiorizar el ritmo- métricas variables-
2/4; 3/4; 4/4; 6/8; 12/8; 5/4 (3+2, 2+3, 2+2+1); 7/8 (2+2+1, 3+3+ 1 y variaciones); 9 /8 (3+3+3, 2+2+2+3, 4+3+2 y variaciones).
MELODÍA
Reconocer intervalos, relacionar notas con DO, melodías de ayuda (María, La Traviata etc.); cantar arpegios; Do "móvil"; patrones de blues; la escala pentatónica; repetir frases y ritmos; los modos griegos y la escala de blues; las sílabas de scat- cánticos rítmicos con sílabas inventadas; improvisación y conversación en dúos con scat y escala de blues o modos; bajo del boogie-woogie, desarrollo de motivos.
ARMONÍA
El ciclo de quintas, cantar frases o arpegios en ciclo; progresión de blues, uso de las notas guía; continuidad armónica; progresión
II-V-1, notas guía, funciones subdominante, dominante, tónica en la música moderna; acordes cantados de séptima, y novena- discusión de tensiones armónicas; progresión I-VI-II-V, bajo y acordes; "Walking bass" (bajo caminante) diatónico, con improvisación sobre escalas y notas guía; análisis y su armonía, así como la correspondiente aplicación de escalas y patrones para una improvisación posterior; análisis de solos de los maestros.
Se pueden incorporar a las clases todos los ejercicios que se consideren oportunos. Habrá que tener en cuenta las edades y habilidades de cada alumno. Además, se pueden aprovechar unos ejercicios y dejar otros para fortalecer conceptos estudiados en el libro de música; inventar nuevos, combinar algunos, dejar a los alumpos dirigir, dejarles inventar y sobre todo esforzarse porque estos estudios sean siempre atractivos, si no divertidos.
Será muy interesante ver adónde nos lleva todo este interés por las "músicas modernas" dentro y fuera de las aulas. Hay muchos jóvenes con la carrera de música clásica terminada que están formando sus propios grupos de música original, jazz o no, y se sienten realizados. Hay otros que sólo han tocado jazz y se dan cuenta que carecen de una base técnica o fallan en la lectura y expresión, y empiezan a tocar los estudios y las obras de los maestros de la música clásica. Espero que estos párrafos hayan podido animar a todos a aprender de todos y a escuchar todo lo que hay. En la música, como en el arte en general, no hay absolutos. Quizá sea una cuestión de gustos, pero los gustos no se pueden imponer tan fácilmente. Nosotros tendríamos que estar abiertos a lo nuevo en todo momento y dispuestos a ofrecer a los jóvenes estúdiantes toda la amplia gama de posibilidades.
La música moderna, el rock, pop, blues, jazz, reggae, etcétera, son una parte vital de nuestra experiencia y para algunas personas jóvenes, una de las cosas más importantes a nivel creativo y social. No sólo satisface una necesidad de comunicación entre la población, especialmente los jóvenes, sino que también genera una cantidad importantísima de trabajo para los mismos músicos y en todos los sectores relacionados con el ocio y la cultura. ¿Por qué no tomarla en serio de una vez y comenzar a combinar el estudio de la música “moderna” con la “clásica”?
Desde que llegué a Barcelona en 1982 y hasta los ultimos anos, he visto un crecimiento del interés por la "música moderna" en las aulas, en las escuelas privadas y en los conservatorios oficiales. Una curiosidad por el blues, el rock y la música folclórica, pero sobre todo por el jazz en sus diferentes estilos, está levantando un interés especial, animando a la gente a mezclar estudios, a retomar clases o a comenzar desde cero. Todo esto se debe a muchos factores, algunos no tan obvios: los aficionados a la música buscan nuevas vías y nuevas formas de expresión artística; la juventud, muy influenciada por los medios de comunicación desde dentro y fuera del país es consciente de que además de su entorno habitual hay muchos mundos que explorar; el bombardeo al que estamos sometidos, con los mismos productos culturales de consumo de siempre, en la radio, en la televisión, en revistas culturales, etc. Por eso, cuando llegan a las ciudades y pueblos los festivales y giras de artistas de jazz, de blues y de nuevas músicas, son como una bocanada de aire fresco y la gente normalmente acude en masa.
En cuanto a la pregunta de qué es la música moderna, podriamos generalizar y definirla como cualquier música que tenga un lenguaje relacionado con la tradición del pop, rock, blues, jazz o incluso del folk desde aproximadamente 1900 hasta hoy en día. La cantidad de música que se puede definir así es realmente inmensa, las mezclas entre los distintos estilos es ilimitada y hay grupos e individuos con inquietudes vitales por encontrar su propia voz y su propia música entre este océano de posibilidades. La tradición nos enseña formas, melodías, armonía, ritmos, timbres, conceptos abstractos y si hablamos del jazz real, habría que incluir la improvisación como elemento imprescindible.
Lamentablemente, cuando uno dice "jazz" mucha gente tiende a pensar que es algo demasiado complejo, demasiado intelectual, demasiado simple o sencillamente demasiado. No tienen en cuenta las técnicas de enseñanza de grandes universidades como Berklee College of Music (donde se imparte música moderna y clásica) o New England Conservatory (donde se imparte las dos pero con las prioridades al revés) u otros centros, consagrados en España, como La Escuela de Música Creativa de Madrid o el Taller de Músicos de Barcelona, por nombrar sólo dos. En estos centros se intenta dar una visión general de la música, no sólo de jazz y del blues improvisado aunque estos estilos siempre ocupen un lugar prioritario. Actualmente hay un creciente interés en las escuelas, universidades y entidades culturales de las distintas comunidades autónomas por las nuevas vías de exploración que ofrece la música moderna. Cada día hay más conferencias, más clases magistrales, festivales, clubes, literatura y por supuesto CDs. En los últimos veinte años se ha multiplicado el número de estas escuelas privadas. Sin ninguna o con una mínima subvención estatal, las escuelas siguen funcionando año tras año y en ellas se puede encontrar todo tipo de personas: aficionados, semi-profesionales, profesionales, niños de corta edad, estudiantes venidos de conservatorios, otros que quieren complementar sus estudios en los conservatorios, gente con carreras universitarias, gente con mucho nivel, gente sin ninguno y gente de todos los ambientes de la vida cotidiana y laboral, desde banqueros hasta rocanroleros, profesores de primaria y secundaria, amas (y amos) de casa, jubilados, personas discapacitadas y todos aquellos que quieren recuperar su amor por la música.
Parece que todos quieren saber más de ésta música moderna tan importante hoy en día: sus orígenes, formas de crearla y lo más importante de todo, cómo pueden aprovecharse de ella para lograr sus propias metas musicales. Se están cansando de los programas de televisión y de radio, y en las tiendas las secciones de blues y jazz crecen (incluso a veces se encuentra en los "top manta"). El enorme interés que tiene la gente por las nuevas músicas es evidente. ¿Por qué no aprovechar esta tendencia (permanente desde hace un siglo) para ayudar a formar a nuestros futuros músicos? La música clásica y folclórica no debería sufrir necesariamente, pero sí que debería hacer un hueco a la música moderna e incluirla en el curriculum, sobre todo a nivel estatal y en los conservatorios. Estas músicas pueden convivir perfectamente y me atrevo hasta a afirmar la importancia del estudio de todos los campos de la música para realmente aprender a fondo cualquiera de ellos.
Como profesor de jazz, blues, rock y materias relacionadas (y repito, sin olvidar la música clásica) mi meta siempre ha sido llegar a cada persona de manera individual, partiendo de unas pautas de trabajo. Estas pautas incluyen un desarrollo de todos los sentidos: rítmico, melódico, armónico, técnico, teórico, expresivo, etc. El alumno tiene que darse cuenta que se trata de otro juego, que tiene que archivar temporalmente muchos conceptos y cosas ya aprendidas o por lo menos estar dispuesto a verlas con otros ojos. Tiene que estar dispuesto a dejar la partitura, a escuchar su voz interna, a desarrollar su oído interno, a cantar, jugar, a liberarse de perjuicios, tocar los tambores e incluso bailar. Sobre todo debe estar dispuesto a perder su inhibición para crear.
Pero esto de la música moderna, ¿qué es exactamente? ¿Su enseñanza es realmente tan diferente de la música tradicional? Sí y no. Yo diría que el objetivo prioritario de cualquier escuela, conservatorio o profesor es, o debe ser, inculcar el amor o pasión por la música en general, así como ayudar al alumno a conseguir una mayor habilidad expresiva a través del conocimiento teórico y técnico del instrumento. Creo que es algo en lo que todos los que nos dedicamos a la enseñanza estaríamos de acuerdo. Sin embargo, como se trata de música que a veces huye de la partitura, que se tiene que "generar" desde dentro, donde el músico tiene que descubrir sus propios gustos y habilidades pero a la vez conformarse a un lenguaje musical más o menos establecido a nivel mundial, las cosas cambian.
Por supuesto que interpretar música moderna no es una cuestión de coger el instru,mento y dejarse llevar; de decir que estamos tocando jazz, improvisando, sin reglas o pautas. Eso no es así. Aparte del valor que tiene la improvisación libre, hay que encauzar las cosas. Hay un camino que seguir, hay mucho trabajo que hacer en varios niveles; físico, mental, emocional, psicomotriz, etc. La improvisación es importante y se debe cultivar, y no solamente con la melodía porque sería un error pensar que se improvisa sólo la línea melódica (lo que realmente se aprecia más en el jazz, sobre todo si el oyente tiene poca experiencia), en realidad son las disposiciones de los acordes, la armonía, los ritmos, la expresión e incluso la forma en que pueden llegar a ser improvisados.
Sin embargo, no todo en la música moderna es jazz y valdría la pena explorar otros géneros relacionados con la historia del jazz para conocer mejor los distintos elementos musicales de que está formado. Por ejemplo, la música reggae ofrece ritmos muy claros y repetitivos para dictados rítmicos; el blues nos proporciona progresiones armónicas para explorar las relaciones de la tónica,
sub-dominante y dominante con una infinidad de variables, y el pop rock (si elegimos a los Beatles o a Sting, por ejemplo) nos muestra unas melodías que se repiten, que tienen "gancho" y que están sólidamente relacionadas con la armonía, con el ritmo y con la forma de la canción. Las posibilidades y el repertorio de un siglo son infinitos, sólo hace falta organizarse. Entre las canciones de los cuarenta principales (los éxitos de la Operación Triunfo, por ejemplo, y otros programas de consumo de masas) encontraremos música que los jóvenes ya tienen asimilada e interiorizada. Así podemos investigar sus elementos musicales y explicar a los alumnos que esta pasando musicalmente, y huir de las pesados imágenes repetitivas de los videos que inevitablemente vinculan a la música.
Opino que uno de los conceptos fundamentales en este tipo de enseñanzas es que el sentimiento debería preceder a la comprensión intelectual. Esto cobra mayor importancia sobre todo cuando se trata de los más jóvenes y los niños pequeños. Muchos de los conceptos que se emplean en la enseñanza del jazz etc. se entienden mejor cuando se ejecutan sin una partitura, incluso sin saber qué es lo que uno está haciendo; así pueden concentrar en sentir el ritmo, en afinar la voz o en hacer una buena entrada. Una vez que esté asimilada la música, la verán en la partitura. Este concepto procede de obras pedagógicas como la de la escuela de Orff, además de otras.
Partiendo del hecho de que a los niños (y los mayores a veces) no se les puede obligar, hay que buscar su complicidad a través del juego y esto no deja de ser un desafío interesante, especialmente cuando se trata de la creatividad. Sienten y pueden imitar para poder llegar a variar patrones rítmicos o melódicos después, y acompañarlos con pasos de baile y juegos. Estas cosas son el pan nuestro de cada día de cualquier profesor de música de primaria e infantil. Luego, a partir de una cierta edad, que varía mucho de unos niños a otros (de 8 a 14 años aproximadamente) las cosas se complican. Poco a poco se introducen los conceptos de ritmo, melodía, forma, etc., cuidando que se entienda a nivel visceral, que el alumno pueda interiorizar la música. Al alumno se le invita a hacer variaciones sobre el patrón aprendido, pensándolo un poco o de manera totalmente espontánea e improvisada. La gente que ya domina mínimamente su instrumento puede utilizar una partitura (con uno o dos pentagramas, o con melodía y cifrado) para fortalecer conceptos. No sólo van a tener que leer y entender las notas sobre el papel de forma más compleja, sino que tendrán que aplicar la teoría a su música, en resumen, los acordes y sus escalas. La forma de impartir estas enseñanzas debe partir de la misma infraestructura que ya se está utilizando en la escuela primaria, en el conservatorio o en el aula privada. Muchos pensarán que sólo se trata de implantar planes de estudios nuevos, de buscar un profesorado nuevo, de abrir una escuela nueva, pero no siempre debe ser así y es posible hacer un hueco al aprendizaje de la música moderna, de la improvisación y del jazz en las instituciones actuales. Sólo se requiere del apoyo de los directivos y del profesorado así como investigar lo suficiente a través de los cursos que se ofrecen, los libros, CDs e Internet. Poco a poco los estudios de música a todos los niveles se verán enriquecidos mutuamente.
Con el tiempo suficiente veríamos que esta línea de trabajo ayuda a cultivar la improvisación rítmica y la imaginación melódica, la habilidad de improvisar frases más largas o inventar melodías para una letra. Así, el guitarrista de rock, el banquero bluesero y el aficionado a las melodías de siempre podrán buscar en su interior y sacar una voz propia, estilísticamente "correcta", sin perder de vista cómo debe sonar esa (su) música. Y aquellos alumnos volcados en la música clásica, podrán entender de otra manera las obras, agilizarán su memoria; además, la armonía, las escalas, conceptos como tonos centrales y las modulaciones se entenderán mejor. Con una buena base de conocimientos, bien interiorizados, los jóvenes podrán enfrentarse a cualquier eventualidad musical, improvisada, reproducida, analítica o relativa a la composición.
El Sr. Doug Goodkin, conferenciante de jazz en las aulas así como profesor de niños en los EE.UU. lo dice así: "La forma y el proceso de enseñanza deben estar dentro de un marco estético que se parezca a lo que estamos enseñando. Necesitamos un sistema pedagógico y una metodología que se pueda aplicar desde la práctica, donde tengan cabida la creación y la improvisación junto a un desarrollo sistemático y progresivo de la teoría.....un proceso en el que la música entre en el cuerpo a la vez que es comprendida intelectualmente.....un trabajo que sea a la vez lúdico y serio." (Doce Notas).
En mis talleres me gusta partir de las raíces históricas del jazz y del blues. En los Estados Unidos aquellos años fueron muy intensos e interesantes, y musicalmente muy ricos. El blues, ragtime, la música country, la ópera ligera, el gospel, etc., todos aportaron algo al eventual y gradual nacimiento del jazz. Desde las primeras bandas ambulantes, a la música como improvisación colectiva, a los primeros solistas, a las épocas de la big band, del bebop, cool, etc., podemos apreciar como ésta música crecía y cambiaba, y utilizar los conceptos de cada época para reforzar conceptos musicales. Las posibilidades son numerosas y a continuación me gustaría mencionar algunas de ellas, muy generales:
- La creatividad individual como base para actividades en el ensamble.
- La dinámica y matices tímbricos.
- Mapa (disección del tema).
- Forma de las canciones.
RITMO
Elementos rítmicos africanos; juegos rítmicos corporales; improvisación de
acentos; ritmos de ragtime; tres pulsos sobre dos; el swing; conversación de ritmos improvisada en dúos; ritmos modernos (rock, funk, reggae, etc.).
Interiorizar el ritmo- métricas variables-
2/4; 3/4; 4/4; 6/8; 12/8; 5/4 (3+2, 2+3, 2+2+1); 7/8 (2+2+1, 3+3+ 1 y variaciones); 9 /8 (3+3+3, 2+2+2+3, 4+3+2 y variaciones).
MELODÍA
Reconocer intervalos, relacionar notas con DO, melodías de ayuda (María, La Traviata etc.); cantar arpegios; Do "móvil"; patrones de blues; la escala pentatónica; repetir frases y ritmos; los modos griegos y la escala de blues; las sílabas de scat- cánticos rítmicos con sílabas inventadas; improvisación y conversación en dúos con scat y escala de blues o modos; bajo del boogie-woogie, desarrollo de motivos.
ARMONÍA
El ciclo de quintas, cantar frases o arpegios en ciclo; progresión de blues, uso de las notas guía; continuidad armónica; progresión
II-V-1, notas guía, funciones subdominante, dominante, tónica en la música moderna; acordes cantados de séptima, y novena- discusión de tensiones armónicas; progresión I-VI-II-V, bajo y acordes; "Walking bass" (bajo caminante) diatónico, con improvisación sobre escalas y notas guía; análisis y su armonía, así como la correspondiente aplicación de escalas y patrones para una improvisación posterior; análisis de solos de los maestros.
Se pueden incorporar a las clases todos los ejercicios que se consideren oportunos. Habrá que tener en cuenta las edades y habilidades de cada alumno. Además, se pueden aprovechar unos ejercicios y dejar otros para fortalecer conceptos estudiados en el libro de música; inventar nuevos, combinar algunos, dejar a los alumpos dirigir, dejarles inventar y sobre todo esforzarse porque estos estudios sean siempre atractivos, si no divertidos.
Será muy interesante ver adónde nos lleva todo este interés por las "músicas modernas" dentro y fuera de las aulas. Hay muchos jóvenes con la carrera de música clásica terminada que están formando sus propios grupos de música original, jazz o no, y se sienten realizados. Hay otros que sólo han tocado jazz y se dan cuenta que carecen de una base técnica o fallan en la lectura y expresión, y empiezan a tocar los estudios y las obras de los maestros de la música clásica. Espero que estos párrafos hayan podido animar a todos a aprender de todos y a escuchar todo lo que hay. En la música, como en el arte en general, no hay absolutos. Quizá sea una cuestión de gustos, pero los gustos no se pueden imponer tan fácilmente. Nosotros tendríamos que estar abiertos a lo nuevo en todo momento y dispuestos a ofrecer a los jóvenes estúdiantes toda la amplia gama de posibilidades.
JAZZ IN THE PUBLIC SCHOOLS
Is a new orientation possible?
The seminar "A Century of Jazz, The American Folk Music" was held in November 2003, as a training activity for primary school, secondary school and conservatory music and dance teachers. Organized by the Music Consultancy of the CAP (Center for Teacher Support) in Pamplona, the seminar was led by Andy Phillips, renowned pianist, composer and vocalist, pioneer in musical education in Spain, as well as the author of this article.
This activity responded to the need for a greater knowledge of the world of Jazz, which traditionally has not had a broad treatment in official programs, a deficiency alleviated in part by the Pablo Sarasate Conservatory, which offers a degree in Jazz. During the development of this activity, the evolution of Jazz, with its styles, composers and performers, was reviewed and some works were analyzed.
DIARIO DE NOTICIAS PAMPLONA TUESDAY MAY 18 2004
I have always heard it said that the sounds that daily surround us are like the soundtrack to our lives. It's a nice concept, especially if we include all the numerous opportunities that present themselves for listening to music, any type of music. On radios in cars, on television, commercials, on the equipment in our kids' rooms, at bars on the beach, dance orchestras, outdoor concerts, restaurants, supermarkets and elevators, music in all its forms is a constant presence in our lives, difficult to ignore or silence. And I would say that a large part of this music has its roots in what we could call "modern music", to differentiate it from "classical music". Its history is long and complicated and goes back to the beginning of the 20th century, when blues and ragtime were established in the southern part of the United States. During the last 100 years this music has evolved and has been transformed, receiving influences from all corners and cultures of the globe, producing a fascinating rainbow of sonic possibilities. It is the authentic soundtrack to our lives, often hiding, unfortunately, the other much more established music, classical.
Modern music - pop, rock, blues, jazz, reggae etc., is a vital part of our life experience and for some if not most young people, one of the most important creative and social outlets that they have. Not only does it satisfy peoples' need to communicate, especially among the young, but it also generates a substantial amount of employment for musicians, and for anyone working in the sectors related to the entertainment, recording or tourist industries and more.
Why not take into account more seriously this music and begin to combine classical and modern in the classroom?
Since I arrived in Barcelona in 1982, and especially in the last few years, I have witnessed the growth of interest in “modern music” in the public and private schools as well as state conservatories. There is a pervading curiosity about blues, rock and folk music, but above all for jazz and its different styles, which is creating a need, encouraging people to mix up their studies, and/or to take classes again or start a beginning. This is due to many factors (some not so obvious) as music fans are looking for new avenues and new forms of artistic expression. The younger generation, greatly influenced by media both local and foreign, is becoming more aware of the many worlds to explore that exist beyond their usual environments. We are constantly exposed to an almost overwhelming cultural bombardment with a seemingly limited selection of artists, composers and consumable products on social media, television, radio, cultural magazines etc. For this reason when the tours of jazz or blues artists and other new music arrive in cities and villages they are received as a breath of fresh air that people flock to.
Regarding the question “what is modern music”, we could generalize and define it as any music that has language related to the traditions of pop, rock, blues, jazz, or folk, from about 1900 to the present day. The amount of music that can be defined this way is incredibly immense, and the mix between the different styles is without limits. There are passionate groups and individuals that are trying to find their own voice and their own music within this ocean of possibilities. The tradition, both classical and modern, teaches us about form, melody, harmony, rhythm, timbre, structure and abstract concepts. If we are talking about real jazz, improvisation would have to be included as an essential element.
Unfortunately, the word jazz makes many people think of something too complex, too intellectual, incomprehensible, too simple or just too much. They do not take into account the teaching techniques of large universities, such as Berklee College of Music (where modern and classical music are taught), or the New England Conservatory (where both are taught but with opposite priorities), as well as other centers established in Spain, such as the Escuela de Música Creativa in Madrid or the Taller de Músicos in Barcelona, to name just two.
These schools offer a general view of music, not only jazz, blues and improvisation, although these styles are usually a priority. Currently, in schools, universities and cultural entities of the different autonomous communities, there is a growing interest in the kind of exploration that modern music offers. Every day there are more conferences, master classes, festivals, clubs, literature and of courses, CDs and other audio formats. In the last twenty years the number of private schools has multiplied. Without any or with minimal state subsidies, these schools continue to persist and function year after year. You will discover all types of people there: semi-professionals, professionals, young children, students from conservatories, those who want to complement their conservatory studies, those with university degrees, people with a high level of musicianship, others without any training at all, people from all walks of life and work, from bankers to rockers, elementary and high school teachers, housewives and husbands, retirees, the physically or mentally challenged, and those who want to revive their love for music after years without practicing.
It seems that everyone today wants to know more about this important music, its origins, how to create it, and most important of all, how they can take advantage of it to achieve their own musical goals. People are becoming tired of the music fed to us on television and radio, in the stores and online. We have found over the years that the blues and jazz sections of recordings are growing in stores (and even found among the street vendors). The enormous interest that people have in new types of music is evident. Why not take advantage of this trend (pervasive now for more than a century) to help train our future musicians? We should make room for “modern” music and include it in a diversified curriculum, especially at the state level and in the conservatories. All forms of music can co-exist perfectly. I even dare to point out the importance of studying all fields of music to really learn any of them in depth.
As a professor that teaches jazz, blues, rock and roll, etc. (without neglecting classical music), my goal has always been to reach out to each person individually, based on systematic working guidelines and protocols. These guidelines include the development of all the musical elements: rhythm, melody, harmony, technique, theory, expression, and more. The student will come to realize that he/she is now evolving in a different musical environment and will have to, at least temporarily, let go of many pre-conceptions and habits already formed, or at least be willing to view them from a different perspective. One has to be willing to relinquish the restrictions of written music, and listen to their inner voice, to develop their inner ear, to sing, to play, to free themselves from prejudices, to play the drums and even dance. Above all, one must be willing to lose the inhibition to create.
But what specifically is this “modern music”?” Is its teaching really so different from traditional music? Yes and no. I would say that the primary objective of any school, conservatory or teacher is, or should be, to instill in the student a love and passion for music in general, as well as to help the student achieve greater expressive ability through theoretical knowledge and instrumental technique. I think this is something that all of us who are dedicated to teaching would agree upon. However, jazz is a genre, or type of music that doesn’t necessarily need a score and has to be "generated" from within. It is a music that obliges musicians to discover their own tastes and abilities while conforming to a more or less established world-wide musical language. Consequently, “modern music” is in a constant state of metamorphosis and change.
Of course, playing modern music is not a matter of picking up the instrument, playing whatever one feels like, without rules or guidelines, and think that now we are playing jazz. Aside from the value that free improvisation may offer, you have to get organized. There is a road (or roads) to follow, and a lot of work to do on various levels; physical, mental, emotional, psychomotor etc. Improvisation is important, and it must be cultivated, not only melodically- it would be a mistake to think that the only thing that is improvised is the melodic line, (which is the musical element most appreciated or perceived in jazz, especially if the listener has little experience). The inversions or structures of the chords, harmony, rhythms, expression and even the structure or form of the musical arrangement can be improvised (as well as the melody).
However, not everything in modern music is jazz and it would be worthwhile to explore other genres, related to the history of jazz and modern music to better understand the different musical elements of which it is made up.
For example, reggae music offers very clear and repetitive rhythms for rhythmic dictations; blues provides us with harmonic progressions for exploring the relationships of the tonic, subdominant and dominant with an infinity of variables, and pop rock (if we choose the Beatles or Sting, for example) presents melodies that are repetitive, that have a "hook", and that are solidly related to the harmony, rhythm and form of the song. The possibilities of a whole century of repertoire are infinite, one just needs to organize. Among the songs of top forty formula radio (the hits of Operation Triumph and Got Talent, for example, and other programs of mass consumption) we will find music that young people already have assimilated and internalized. We can investigate their musical elements with our students to see what is happening, and get away from the potentially annoying and repetitive images of the videos that are inevitably linked to this music.
One of the fundamental concepts of teaching modern music has to do with listening and feeling preceding intellectual perception. This is most important when working with young students and little children. Many of the concepts studied when teaching jazz and other genres are best understood when played without a score, even when the students don’t know what they are doing. In this way students can focus on feeling the beat, fine tuning their voice, or making a good entrance. Once they have assimilated the music, they can see it in a score. This way of working is found throughout the important modern pedagogical teachings such as the Orff school, as well as others.
Assuming that some children (and sometimes older students) cannot be forced to react or cooperate, we seek their complicity through play, an interesting challenge, especially when it comes to being creative. Children can feel and imitate the music and afterwards are able to vary the rhythmic or melodic patterns, and accompany them with dance steps and games. These things are (or should be) the daily bread for any music teacher of Kindergarten through the third grade. After a certain age (each child being an individual case)- approximately 8 to 14 years- things start to get a bit more complicated.
Little by little, the concepts of rhythm, melody, form, etc. can be introduced taking care that they are first comprehended at a visceral level- that the student can internalize the music. The student is then invited to make variations on the memorized pattern, by thinking about it a little or being totally spontaneous and improvising. People who already have a minimal mastery of their instrument can use a score (with one or two staves, or with melody and chord symbols) to strengthen the concepts. Not only will they have to read and understand the notes on the paper in a more complex way, but they will also have to apply the theory to their music, the chords and their appropriate scales. The way these concepts are transferred to the student can be presented within the same infrastructure that is already being used in elementary schools, conservatories or private schools. To many people it is a matter of initiating a new curriculum, looking for a new teacher, or opening a new school, but that is not always the case. It should be possible to make room for modern music, improvisation and jazz in the existing institutions. All that is needed is the support of the directors and teachers and enough research done in order to determine what is available and useful in the way of courses, and materials offered, books, recordings and the Internet. Little by little, studying music at all levels will be a much richer experience.
In time we will see that this avenue of study helps cultivate rhythmic improvisation and melodic imagination, as well as the ability to improvise longer phrases or invent melodies for lyrics. The rock guitarist, the bluesy banker, and the fan of the classic songs and melodies will be able to search inside themselves and develop their own voice, stylistically "correct”, with a deeper understanding of how their music should sound. Classical music students will understand the music from a greater perspective, will better their memorization, and will more deeply understand harmony, scales, and concepts such as tonal centers and modulations. With a wider base of internalized musical knowledge, the aspiring musician will be better prepared to take on any musical event, be it improvised, reproduced, analyzed or composed.
Doug Goodkin, who has combined Orff and jazz for many years in the U.S. public schools, says: "The form and process of teaching must exist within an aesthetic framework that resembles what we are already teaching. We need a pedagogical system and methodology that can be applied through practice, where creation and improvisation have a place together with a thematic and progressive theoretical development .... a process in which the music enters the body at the same time that it is intellectually understood .... a job that is both playful and serious." (Twelve Notes).
In my workshops I like to start out from the historical roots of jazz and blues. In the United States those years were very intense, interesting and musically very rich. Blues, ragtime, country music, light opera, gospel, classical and other styles all contributed something to the eventual and gradual birth of jazz and later rock and roll. From the first traveling bands to music as collective improvisation, to the first soloists, through the big band era, bebop, cool, mainstream…we can trace how the music grew and changed, and use the ideas of each era to reinforce musical concepts.
The possibilities for study and analysis are numerous. I mention a few below:
- Individual creativity as the basis for group activities
- Dynamics and timbral nuances
- Map (detailed dissection of the song)
- Form of the songs
RHYTHM
African rhythmic elements; rhythmic body games; improvisation of accents; ragtime rhythms; three pulses over two; swing; improvised conversation of rhythms in duets; modern rhythms (rock, funk, reggae, etc.)
Internalize the rhythm- variable metrics-
2/4, 3/4, 4/4, 6/8, 12/8, 5/4 (3 + 2, 2 + 3, 2 + 2 + 1),
7/8 (2 + 2 + 1, 3 + 3 + 1 and variations),
9/8 (3 + 3 + 3, 2 + 2 + 2 + 3, 4 + 3 + 2 and variations).
MELODY
Recognize intervals, perceive notes in relation to DO, melodies that “help” recognize intervals (María- triitone, La Traviata Brindisi-major 6th, etc.); sing arpeggios; “moveable” Do; blues scales and patterns; the pentatonic scale; repeated phrases and rhythms; the Greek modes; the syllables of scat (melodies with invented syllables); improvisation and conversation in duets with scat and blues scale or modes; bass boogie-woogie; motivic development.
HARMONY
The cycle of fifths, singing phrases or arpeggios in the cycle; blues progressions and the use of guide tones; harmonic continuity; II-V-I progressions, subdominant, dominant, tonic functions in modern music; seventh and ninth chords - discussion of harmonic tensions;
I-VI-II-V progressions, bass and chords; diatonic walking bass, with improvisation on scales and guide tones; analysis of harmony with the corresponding application of patterns for an improvisation; analysis of solos of the great maestros.
All appropriate exercises can be incorporated into the class after determining the abilities of each age group. In addition, some exercises can be taken advantage of right away and others left for later to strengthen concepts that are found in the music text being used. We can invent new exercises, combine others, let the students direct, let them invent, and above all strive to make these studies and this way of learning always attractive, if not fun.
It will be very interesting to see where all this interest in "modern music" inside and outside the classroom takes us. There are many young people who have completed their classical music studies and are now forming their own original music groups, “modern” music or not, with wonderful, gratifying results. Others have learned music only through jazz etc., and find they lack either a technical foundation, or lack in reading skills and expression, and begin to take more seriously the works of the classical masters.
I hope these paragraphs have served to encourage everyone to learn from everyone else, and to listen to everything out there. In music, as in art in general, there are no absolutes. It may be a matter of taste, but tastes cannot be imposed so easily. We should all be open to new possibilities in music at all times and be ready to offer young students the widest range of musical possibilities available.
Translated from spanish by computer, corrected by human
Modern music - pop, rock, blues, jazz, reggae etc., is a vital part of our life experience and for some if not most young people, one of the most important creative and social outlets that they have. Not only does it satisfy peoples' need to communicate, especially among the young, but it also generates a substantial amount of employment for musicians, and for anyone working in the sectors related to the entertainment, recording or tourist industries and more.
Why not take into account more seriously this music and begin to combine classical and modern in the classroom?
Since I arrived in Barcelona in 1982, and especially in the last few years, I have witnessed the growth of interest in “modern music” in the public and private schools as well as state conservatories. There is a pervading curiosity about blues, rock and folk music, but above all for jazz and its different styles, which is creating a need, encouraging people to mix up their studies, and/or to take classes again or start a beginning. This is due to many factors (some not so obvious) as music fans are looking for new avenues and new forms of artistic expression. The younger generation, greatly influenced by media both local and foreign, is becoming more aware of the many worlds to explore that exist beyond their usual environments. We are constantly exposed to an almost overwhelming cultural bombardment with a seemingly limited selection of artists, composers and consumable products on social media, television, radio, cultural magazines etc. For this reason when the tours of jazz or blues artists and other new music arrive in cities and villages they are received as a breath of fresh air that people flock to.
Regarding the question “what is modern music”, we could generalize and define it as any music that has language related to the traditions of pop, rock, blues, jazz, or folk, from about 1900 to the present day. The amount of music that can be defined this way is incredibly immense, and the mix between the different styles is without limits. There are passionate groups and individuals that are trying to find their own voice and their own music within this ocean of possibilities. The tradition, both classical and modern, teaches us about form, melody, harmony, rhythm, timbre, structure and abstract concepts. If we are talking about real jazz, improvisation would have to be included as an essential element.
Unfortunately, the word jazz makes many people think of something too complex, too intellectual, incomprehensible, too simple or just too much. They do not take into account the teaching techniques of large universities, such as Berklee College of Music (where modern and classical music are taught), or the New England Conservatory (where both are taught but with opposite priorities), as well as other centers established in Spain, such as the Escuela de Música Creativa in Madrid or the Taller de Músicos in Barcelona, to name just two.
These schools offer a general view of music, not only jazz, blues and improvisation, although these styles are usually a priority. Currently, in schools, universities and cultural entities of the different autonomous communities, there is a growing interest in the kind of exploration that modern music offers. Every day there are more conferences, master classes, festivals, clubs, literature and of courses, CDs and other audio formats. In the last twenty years the number of private schools has multiplied. Without any or with minimal state subsidies, these schools continue to persist and function year after year. You will discover all types of people there: semi-professionals, professionals, young children, students from conservatories, those who want to complement their conservatory studies, those with university degrees, people with a high level of musicianship, others without any training at all, people from all walks of life and work, from bankers to rockers, elementary and high school teachers, housewives and husbands, retirees, the physically or mentally challenged, and those who want to revive their love for music after years without practicing.
It seems that everyone today wants to know more about this important music, its origins, how to create it, and most important of all, how they can take advantage of it to achieve their own musical goals. People are becoming tired of the music fed to us on television and radio, in the stores and online. We have found over the years that the blues and jazz sections of recordings are growing in stores (and even found among the street vendors). The enormous interest that people have in new types of music is evident. Why not take advantage of this trend (pervasive now for more than a century) to help train our future musicians? We should make room for “modern” music and include it in a diversified curriculum, especially at the state level and in the conservatories. All forms of music can co-exist perfectly. I even dare to point out the importance of studying all fields of music to really learn any of them in depth.
As a professor that teaches jazz, blues, rock and roll, etc. (without neglecting classical music), my goal has always been to reach out to each person individually, based on systematic working guidelines and protocols. These guidelines include the development of all the musical elements: rhythm, melody, harmony, technique, theory, expression, and more. The student will come to realize that he/she is now evolving in a different musical environment and will have to, at least temporarily, let go of many pre-conceptions and habits already formed, or at least be willing to view them from a different perspective. One has to be willing to relinquish the restrictions of written music, and listen to their inner voice, to develop their inner ear, to sing, to play, to free themselves from prejudices, to play the drums and even dance. Above all, one must be willing to lose the inhibition to create.
But what specifically is this “modern music”?” Is its teaching really so different from traditional music? Yes and no. I would say that the primary objective of any school, conservatory or teacher is, or should be, to instill in the student a love and passion for music in general, as well as to help the student achieve greater expressive ability through theoretical knowledge and instrumental technique. I think this is something that all of us who are dedicated to teaching would agree upon. However, jazz is a genre, or type of music that doesn’t necessarily need a score and has to be "generated" from within. It is a music that obliges musicians to discover their own tastes and abilities while conforming to a more or less established world-wide musical language. Consequently, “modern music” is in a constant state of metamorphosis and change.
Of course, playing modern music is not a matter of picking up the instrument, playing whatever one feels like, without rules or guidelines, and think that now we are playing jazz. Aside from the value that free improvisation may offer, you have to get organized. There is a road (or roads) to follow, and a lot of work to do on various levels; physical, mental, emotional, psychomotor etc. Improvisation is important, and it must be cultivated, not only melodically- it would be a mistake to think that the only thing that is improvised is the melodic line, (which is the musical element most appreciated or perceived in jazz, especially if the listener has little experience). The inversions or structures of the chords, harmony, rhythms, expression and even the structure or form of the musical arrangement can be improvised (as well as the melody).
However, not everything in modern music is jazz and it would be worthwhile to explore other genres, related to the history of jazz and modern music to better understand the different musical elements of which it is made up.
For example, reggae music offers very clear and repetitive rhythms for rhythmic dictations; blues provides us with harmonic progressions for exploring the relationships of the tonic, subdominant and dominant with an infinity of variables, and pop rock (if we choose the Beatles or Sting, for example) presents melodies that are repetitive, that have a "hook", and that are solidly related to the harmony, rhythm and form of the song. The possibilities of a whole century of repertoire are infinite, one just needs to organize. Among the songs of top forty formula radio (the hits of Operation Triumph and Got Talent, for example, and other programs of mass consumption) we will find music that young people already have assimilated and internalized. We can investigate their musical elements with our students to see what is happening, and get away from the potentially annoying and repetitive images of the videos that are inevitably linked to this music.
One of the fundamental concepts of teaching modern music has to do with listening and feeling preceding intellectual perception. This is most important when working with young students and little children. Many of the concepts studied when teaching jazz and other genres are best understood when played without a score, even when the students don’t know what they are doing. In this way students can focus on feeling the beat, fine tuning their voice, or making a good entrance. Once they have assimilated the music, they can see it in a score. This way of working is found throughout the important modern pedagogical teachings such as the Orff school, as well as others.
Assuming that some children (and sometimes older students) cannot be forced to react or cooperate, we seek their complicity through play, an interesting challenge, especially when it comes to being creative. Children can feel and imitate the music and afterwards are able to vary the rhythmic or melodic patterns, and accompany them with dance steps and games. These things are (or should be) the daily bread for any music teacher of Kindergarten through the third grade. After a certain age (each child being an individual case)- approximately 8 to 14 years- things start to get a bit more complicated.
Little by little, the concepts of rhythm, melody, form, etc. can be introduced taking care that they are first comprehended at a visceral level- that the student can internalize the music. The student is then invited to make variations on the memorized pattern, by thinking about it a little or being totally spontaneous and improvising. People who already have a minimal mastery of their instrument can use a score (with one or two staves, or with melody and chord symbols) to strengthen the concepts. Not only will they have to read and understand the notes on the paper in a more complex way, but they will also have to apply the theory to their music, the chords and their appropriate scales. The way these concepts are transferred to the student can be presented within the same infrastructure that is already being used in elementary schools, conservatories or private schools. To many people it is a matter of initiating a new curriculum, looking for a new teacher, or opening a new school, but that is not always the case. It should be possible to make room for modern music, improvisation and jazz in the existing institutions. All that is needed is the support of the directors and teachers and enough research done in order to determine what is available and useful in the way of courses, and materials offered, books, recordings and the Internet. Little by little, studying music at all levels will be a much richer experience.
In time we will see that this avenue of study helps cultivate rhythmic improvisation and melodic imagination, as well as the ability to improvise longer phrases or invent melodies for lyrics. The rock guitarist, the bluesy banker, and the fan of the classic songs and melodies will be able to search inside themselves and develop their own voice, stylistically "correct”, with a deeper understanding of how their music should sound. Classical music students will understand the music from a greater perspective, will better their memorization, and will more deeply understand harmony, scales, and concepts such as tonal centers and modulations. With a wider base of internalized musical knowledge, the aspiring musician will be better prepared to take on any musical event, be it improvised, reproduced, analyzed or composed.
Doug Goodkin, who has combined Orff and jazz for many years in the U.S. public schools, says: "The form and process of teaching must exist within an aesthetic framework that resembles what we are already teaching. We need a pedagogical system and methodology that can be applied through practice, where creation and improvisation have a place together with a thematic and progressive theoretical development .... a process in which the music enters the body at the same time that it is intellectually understood .... a job that is both playful and serious." (Twelve Notes).
In my workshops I like to start out from the historical roots of jazz and blues. In the United States those years were very intense, interesting and musically very rich. Blues, ragtime, country music, light opera, gospel, classical and other styles all contributed something to the eventual and gradual birth of jazz and later rock and roll. From the first traveling bands to music as collective improvisation, to the first soloists, through the big band era, bebop, cool, mainstream…we can trace how the music grew and changed, and use the ideas of each era to reinforce musical concepts.
The possibilities for study and analysis are numerous. I mention a few below:
- Individual creativity as the basis for group activities
- Dynamics and timbral nuances
- Map (detailed dissection of the song)
- Form of the songs
RHYTHM
African rhythmic elements; rhythmic body games; improvisation of accents; ragtime rhythms; three pulses over two; swing; improvised conversation of rhythms in duets; modern rhythms (rock, funk, reggae, etc.)
Internalize the rhythm- variable metrics-
2/4, 3/4, 4/4, 6/8, 12/8, 5/4 (3 + 2, 2 + 3, 2 + 2 + 1),
7/8 (2 + 2 + 1, 3 + 3 + 1 and variations),
9/8 (3 + 3 + 3, 2 + 2 + 2 + 3, 4 + 3 + 2 and variations).
MELODY
Recognize intervals, perceive notes in relation to DO, melodies that “help” recognize intervals (María- triitone, La Traviata Brindisi-major 6th, etc.); sing arpeggios; “moveable” Do; blues scales and patterns; the pentatonic scale; repeated phrases and rhythms; the Greek modes; the syllables of scat (melodies with invented syllables); improvisation and conversation in duets with scat and blues scale or modes; bass boogie-woogie; motivic development.
HARMONY
The cycle of fifths, singing phrases or arpeggios in the cycle; blues progressions and the use of guide tones; harmonic continuity; II-V-I progressions, subdominant, dominant, tonic functions in modern music; seventh and ninth chords - discussion of harmonic tensions;
I-VI-II-V progressions, bass and chords; diatonic walking bass, with improvisation on scales and guide tones; analysis of harmony with the corresponding application of patterns for an improvisation; analysis of solos of the great maestros.
All appropriate exercises can be incorporated into the class after determining the abilities of each age group. In addition, some exercises can be taken advantage of right away and others left for later to strengthen concepts that are found in the music text being used. We can invent new exercises, combine others, let the students direct, let them invent, and above all strive to make these studies and this way of learning always attractive, if not fun.
It will be very interesting to see where all this interest in "modern music" inside and outside the classroom takes us. There are many young people who have completed their classical music studies and are now forming their own original music groups, “modern” music or not, with wonderful, gratifying results. Others have learned music only through jazz etc., and find they lack either a technical foundation, or lack in reading skills and expression, and begin to take more seriously the works of the classical masters.
I hope these paragraphs have served to encourage everyone to learn from everyone else, and to listen to everything out there. In music, as in art in general, there are no absolutes. It may be a matter of taste, but tastes cannot be imposed so easily. We should all be open to new possibilities in music at all times and be ready to offer young students the widest range of musical possibilities available.
Translated from spanish by computer, corrected by human